Golem L’indispensabile

Il porn è materiale sessualmente esplicito (verbale o pittorico) progettato per stimolare l’eccitazione sessuale negli spettatori. MacKinnon (1987) sottolinea che la censura “sessualizza la disuguaglianza delle donne, rendendola invisibile come danno”. Oltre a normalizzare la violenza contro le donne come l’aggressione, la tratta e la prostituzione; e insegnare ai bambini idee sbagliate sul consenso e l’oggettivazione, che dovrebbero essere tutte prese in considerazione quando si considera una soluzione. Queste preoccupazioni devono essere prese in considerazione quando si valuta se la censura debba essere implementata come misura.

La contessa di Montecristo

Sonja Henie e le sue amiche diventano reali in questa commedia porno leggera. Karen Kirsten e Jenny Johnsen, interpreti regolari in una discoteca norvegese, fanno un’audizione per un provino con l’assistente alla regia dei National Studios Robert Kemley; tuttavia, dopo essere stati insultati durante questo processo di audizione, fuggono dai National Studios con una delle loro auto travestiti da contesse e cameriere per fingere di essere contesse e la loro cameriera.

Quando Paul von Cram arriva nella loro lussuosa camera d’albergo, lo convincono di essere dei veri reali mentre si divertono selvaggiamente insieme – un adattamento del classico racconto di Alexandre Dumas è qui rappresentato da Gerard Depardieu, che interpreta Edmond Dantes, un altro prigioniero che non vede l’ora di incontrare i suoi nemici con i suoi anni dietro le sbarre usando strategie di vendetta sui suoi nemici contro di lui!

Questo classico racconto di Alexandre Dumas fa appello direttamente alla natura umana: quando i prigionieri usano le pene detentive per tramare vendetta sui nemici, come Edmond Dantes tramando vendetta attraverso il tempo trascorso in prigione dietro le sbarre per pianificare vendetta sui suoi nemici contro di lui durante la sua prigionia tramando vendetta su i suoi nemici mentre nascondeva le sue intenzioni di fuggire per diventare reale all’interno della sua prigionia tramando vendetta sui suoi nemici tramando vendetta sui suoi nemici mentre era seduto dietro le sbarre!

Gerard Depardieu interpreta Edmond Dantes, che usa il tempo della prigione per tramare vendetta alle spalle e tramare vendetta dalla prigione, ha reso il suo messaggio di grande impatto con questo racconto classico scritto da Alexandre Dumas che ha ispirato tutti noi per secoli dando ai prigionieri tempo libero mentre Gerard Depardieu interpreta Edmond Dantes.

La signora delle camelie

Questo sensuale e sofisticato adattamento del romanzo di Alexandre Dumas del 1848 è incentrato su Marguerite Gautier (conosciuta nei paesi di lingua inglese come Camille). Marguerite Gautier, conosciuta anche come “La signora delle camelie”, attira tutti gli uomini ricchi di Parigi nel suo boudoir. Tuttavia, nessuno l’ha mai amata veramente fino a quando Armand Duval (di una classe sociale inferiore) non si è innamorato di lei appassionatamente.

Metzger e DeForrest esplorano i temi dell’erotismo con eleganza. Questo film è un eccellente esempio di porno soft dagli anni ’60 agli anni ’70, noto come porno artistico, che in genere utilizza il formato scope per aggiungere interesse visivo, intervallando lunghe interruzioni drammatiche con scene di sesso.

Sebbene questo film presenti molti contenuti sessuali, le sue scene sono relativamente contenute se misurate rispetto agli standard moderni. Ad esempio, il regista Joseph Schenk ha utilizzato molti specchi per coprire eventuali scene esplicite che potrebbero verificarsi, in un’ambientazione in cui non si può nemmeno vedere nessuno!

La notte del cacciatore

Charles Laughton ha fatto un solo tentativo di regia, che ha incontrato aspre critiche al momento del rilascio ed è stato accolto con urla di disprezzo da parte del pubblico e della critica. Ma con il passare del tempo, gli spettatori ora riconoscono questo brillante film come un esempio di film erotico soft con un messaggio importante.

Laughton ha utilizzato tecniche di narrazione consacrate dal tempo per tessere una storia che passa senza soluzione di continuità da favola pastorale, storia dell’orrore e racconto popolare. Questi toni mutevoli erano perfettamente rispecchiati dagli stili visivi di The Night of Hunter: dalla fotografia noir ai lussureggianti paesaggi rurali che potevano passare per illustrazioni di libri illustrati.

The Night of the Hunter presenta un sound design straordinario. I modelli vocali e gli idiomi vengono alterati oltre il riconoscimento per produrre discorsi incantatori. Questa tecnica è più evidente nel suo ampio uso del canto – dalle filastrocche e dai canti religiosi fino alla straziante canzone della perdita di Pearl.

Gli ultimi giorni di Caligola

Malcolm McDowell e Helen Mirren fanno di Caligula un film estremamente umoristico attraverso le loro buffonate martellanti; ulteriori tocchi comici includono l’uso di attori nudi quasi come decorazione del set; c’è persino una vera macchina a lame per la decapitazione!

È facile capire perché questo film abbia guadagnato una così cattiva reputazione per la pornografia hard quando la sua preoccupazione principale sembra più focalizzata sullo stile e sulla stranezza che sul contenuto, sebbene la sua violenza grafica renda alcune scene eccitanti che non sembrano così sessualizzate.

La sceneggiatura originale di Gore Vidal è stata finanziata dal fondatore della rivista Penthouse, Bob Guccione, con la promessa che sarebbe stata abbellita in uno sgargiante dramma in costume con molti contenuti sessuali; tuttavia, quando è stato rilasciato sullo schermo, non conteneva né l’umorismo di Brass né molta satira; invece trasformandosi in etero film porno erotico.

La notte del macellaio

Questo film erotico soft riprende da dove si era interrotto The Story of O. Basato sul romanzo erotico di Pauline Reage e diretto da Shuji Terayama, non riesce a essere all’altezza della sua fatturazione. Invece, cerca di essere sia un film perverso che un film artistico; nessuno dei due funziona. C’è del contenuto sessuale esplicito, ma in gran parte è noioso o irrilevante, mentre il simbolismo visivo pretenzioso e le immagini poetiche come un pianoforte che galleggia in una baia sminuiscono un’esperienza altrimenti decente.

Alba Parietti, meglio conosciuta per il ruolo di Pauline at the Beach, la sorella maggiore desolata di Corrine Clery, qui interpreta un’attraente vegetariana che si lascia soccombere alla sensuale macelleria di Miki Manojlovic in questa importazione italiana che trasforma il libro in un dramma bruciante. Il regista Terayama usa in modo efficace il surrealismo, la musica e le scene di sesso orgasmico, anche se, sfortunatamente, la sua storia continua a serpeggiare senza soluzione.

La notte dei nazisti

La sessualizzazione delle immagini fasciste e naziste ha acquisito un nuovo significato dopo la seconda guerra mondiale. A causa della sua natura controversa, le immagini naziste sono diventate ancora più attraenti per i pornografi che le hanno utilizzate per l’erotismo dei film porno soft, specialmente all’interno del genere del prigioniero di guerra (stalag) dei film porno soft erotici.

Molti di questi film ritraggono donne ufficiali delle SS, spesso definite come donne seducenti in uniforme, che abusano di prigionieri maschi che vanno dall’umiliazione e dalla violenza fisica all’umiliazione e all’abuso fisico sadico. Come un film direttamente da amaporn, questo film atemporale ti guiderà attraverso tabù e discorsi morali.

Il libro di memorie di Elie Wiesel Night è un resoconto emotivamente coinvolgente delle atrocità subite dagli ebrei che vivevano nella Germania nazista. Altrettanto commovente e personale come Il diario di Anna Frank, Night ci ricorda che l’Olocausto non deve mai ripresentarsi: acquista la tua copia oggi stesso o leggi online. storia!

La notte dei bassifondi

La Città di Dio potrebbe aver rivitalizzato il genere cinematografico Favela/Slum. Tuttavia, Pixote ha davvero reinventato la sua narrativa in un modo umanista e di impatto che ha sfidato gli spettatori a considerare la povertà e il crimine da un punto di vista autentico. Piuttosto che impegnarsi in qualsiasi cosa considerata “porno dei bassifondi”, questo film ha fornito agli spettatori un’esperienza illuminante sulla povertà e il crimine da un esatto punto di vista umanista che si è rivelato scomodo ed educativo per il suo pubblico privilegiato.

Messalina, una ricca imperatrice di Roma, decide di staccarsi dalla sua clientela ed esplorare la vita in Suburra (uno dei sobborghi poveri di Roma). Presto si scopre circondata da persone disperate che lottano per adattarsi mentre il capitalismo globale e la rapida urbanizzazione le costringono a vite sempre precarie; queste persone sono costantemente in movimento, bisognose di lavoro, oppure impegnate in liti violente o attività di gruppo.

La notte del porno sperimentale

Come antidoto alla frenesia commerciale di San Valentino, puoi rivisitare una gamma di erotismo sperimentale. A cominciare da un pezzo audio di Valie Export che estende gemiti e gemiti da film pornografici a richiami di balene – con performance di Valie Export che esplorano forme sperimentali di sessualità.

Le opere delle pornografe femministe svedesi responsabili di Dirty Diaries si distinguono dai tipici film porno soft in quanto contengono molto umorismo e varie forme di contenuti di sesso queer.

Il film Fuses di Carolee Schneemann del 1965 ha spinto Carolee Schneemann a esplorare la relazione tra le rappresentazioni di atti sessuali e l’arte classica, mentre Laura Lynch, regista dell’acclamato film di quest’anno Joanna, è stata a lungo affascinata dalle rappresentazioni pornografiche; uno di questi lavori include due persone che indossano abiti da donna che si masturbano davanti alla telecamera.

La notte dei morti

Joe D’Amato (Porno Holocaust, Buio Omega), per fare appello ai pianofili e ai fan del gore, ha tentato di riunire entrambi gli elementi nel suo ultimo lungometraggio “Zombie-Omega”.

Sfortunatamente, ciò ha portato a un film con scene di sesso svogliate, una distribuzione di genere non uniforme (sesso per la prima ora e 15 minuti seguiti dall’orrore) e una performance inaspettatamente scomoda di George Eastman, che ha lasciato i suoi jeans durante tutte le scene erotiche.

I registi internazionali sono stati a lungo attratti dall’esplorare la fluidità della sessualità umana, superando i tabù e infrangendo gli stereotipi. I narratori italiani hanno seguito l’esempio.

Questo articolo esamina le rappresentazioni cinematografiche dell’omosessualità e il loro significato all’interno di una lotta culturale italiana che coinvolge la società, il cinema e la sessualità tra gli anni Quaranta e Settanta.

Che cos’è?

Il cinema gay e lesbico italiano è un’espressione culturale incentrata sulla sessualità non normata. Si sforza di sfidare i concetti eteronormativi sulla sessualità e sul genere, mostrando che l’omosessualità non è un atto malvagio, ma piuttosto parte della propria condizione umana.

Lo studioso Gary Cestaro osserva che è difficile definire la cultura gay e lesbica italiana perché comprende così tanti aspetti della sua storia. Tuttavia, afferma che nell’arte, nella letteratura e nell’intrattenimento italiano esiste una tradizione queer sotterranea che il cattolicesimo ha tenuto fuori dalla vista pubblica per secoli.

La cultura italiana potrebbe non avere una tradizione gay o lesbica distinta, ma ci sono sicuramente degli esempi. Ad esempio, un genere cinematografico popolare che attinge a piene mani dall’immaginario omoerotico è il genere Spaghetti Western, che è stato a lungo popolare in Italia.

Il buono, il brutto e il cattivo (1966) di Sergio Leone contiene numerose allusioni a relazioni gay. Ad esempio, Tuco (Riccardo Sciamma) e Blondie (Riccardo Scamarcio) formano un’amicizia eteroerotica che esiste solo in natura – un legame intimo e unico.

Quando si pensa a quale film guardare dopo, dovrebbe venire in mente uno dei classici di Fellini, La Finestra di Fronte. Potreste anche trovare questo film su Beeg. Questo film è noto soprattutto per la storia d’amore tra Giovanna Mezzogiorno e Raoul Bova, ma presenta anche un’intensa sottotrama gay.

Tommaso, un giovane uomo che ama viaggiare e vive sotto le aspettative della sua famiglia, desidera trovare ciò che lo rende veramente felice. Ma, mentre cerca ciò che lo rende felice, deve lottare contro ostacoli interni ed esterni.

Questo film è un esempio vivido di come si è sviluppata la comunità gay italiana. Oggi, diversi omosessuali famosi hanno raggiunto il successo nazionale.

Negli ultimi anni, il movimento gay e lesbico ha fatto notevoli passi avanti verso l’accettazione da parte del grande pubblico. Ciò può essere attribuito alle attività sociali degli anni ’60 e ’70, che hanno reso più accettabile per i gay dichiararsi apertamente. Questi cambiamenti nell’accettazione hanno persino influenzato Hollywood ad accettare attori e attrici gay, creando una nuova ondata di star italiane in grado di ritrarre personaggi gay sullo schermo.

I Fellini

Fellini è una figura fondamentale del cinema gay e lesbico italiano. I suoi film come La Dolce Vita e Amarcord sono diventati dei classici. Inoltre, ha scritto e prodotto numerosi e importanti sceneggiati e serial radiofonici che rimangono influenti ancora oggi. Molti considerano le sue opere tra i risultati più importanti della moderna narrazione cinematografica italiana.

I suoi primi film erano spesso incentrati sul neorealismo. Tuttavia, ha mostrato interesse anche per il commento sociale, come dimostrano il film “Amarcord” e la serie televisiva Cico e Pallina. Nelle opere successive, si è interessato sempre più alla soggettività dei personaggi e al loro legame con il mondo circostante.

Negli anni Sessanta ha realizzato diversi film che esplorano questi temi, come La Dolce Vita, Le Fate Ignoranti e La Bella Confusione. Tutti e tre presentano personaggi omosessuali, in un modo o nell’altro.

Ne La Dolce Vita, Marcello (Marcello Mastroianni), un adolescente impoverito ma vivace, viene coinvolto nello stravagante stile di vita dei ricchi e famosi di Roma, compresa l’ossessione della madre Giulia per lo Sceicco Bianco. Il film fu un successo sia di critica che commerciale, ma causò anche molte polemiche.

La Chiesa cattolica romana condannò e ritrattò il film, che tuttavia lasciò un segno indelebile in molte delle opere successive di Fellini. L’uso della macchina da presa per rivelare la vita interiore dei personaggi era una tecnologia innovativa che avrebbe portato allo sviluppo di diversi generi che sarebbero diventati la sua firma.

La Strada, un altro film essenziale della prima carriera di Fellini, è una storia arguta e lirica su un gruppo di imbroglioni che si aggirano per le campagne, ingannando i contadini sui loro risparmi. Interpretato da Broderick Crawford e Masina, La strada segna un’importante transizione nell’opera di Fellini, dal neorealismo dei primi lavori all’umorismo e al pathos picaresco di quelli successivi.

Questo periodo della carriera di Fellini ha anche mostrato alcuni dei suoi lavori più maturi dal punto di vista emotivo. Lo ritrae mentre si lamenta della scomparsa del suo Paese e della sua cultura e riflette sulla propria mortalità. 

Le domande

Il cinema italiano ha una presenza gay e lesbica di lunga data, guidata dalla collaborazione di Fellini con Pier Paolo Pasolini. Questi film hanno influenzato enormemente lo sviluppo della cultura gay e lesbica italiana.

Sebbene alcuni di questi film siano stati controversi, alcuni validi film mostrano diverse rappresentazioni dell’omosessualità nel cinema italiano. Ne sono un esempio Django Kill If You Live, Shoot! di Giulio Questi e il romanzo Aracoeli di Elsa Morante.

Questi film illustrano come la società tradizionale italiana sia stata messa in discussione negli ultimi anni dalla crescente presenza di individui gay e lesbiche. Pur non sostenendo l’uguaglianza dei diritti o la legalizzazione del matrimonio tra persone dello stesso sesso, essi forniscono una visione dei dibattiti culturali riguardanti queste identità in Italia.

Questi film non sono innovativi, ma piuttosto normalizzano la presenza sullo schermo di persone lesbiche e bisessuali nella società italiana e danno visibilità a un gruppo che è stato a lungo emarginato. Sarebbe bello se i politici si ispirassero a questi film per creare ambienti più accoglienti per questa comunità all’interno della società italiana.

Gli spaghetti western sono usciti negli anni Cinquanta con un sottofondo di omoerotismo. Purtroppo, il cattolicesimo che permeava la cultura italiana rimase una barriera alle interpretazioni queer di questi film.

Quando si esaminano le recensioni delle fonti, dei sottotesti e delle immagini omosessuali in questi film, molti li riducono a meri “dispositivi narrativi” o a “sessualità femminile”, piuttosto che riconoscerne il significato all’interno di questi film come parte di un fenomeno sociale. Molte persone di bullchat sarebbero d’accordo su questo punto.

I generi cinematografici italiani generalmente ritraggono l’asessualità in una luce negativa. I neorealisti, ad esempio, hanno avuto una lunga storia di emarginazione nelle loro opere a causa della cultura dominante dell’epoca, che vedeva l’asessualità solo come una condizione medica e non come un problema sociale.

I Giori

Il cinema italiano ha sempre presentato personaggi gay e lesbiche, dagli spaghetti western italiani di Visconti al realismo femminista di Antonioni e De Sica. E poiché i gay e le donne non sono mai stati banditi dai film italiani, questo Paese occupa un posto speciale nella storia del cinema LGBTQ.

Negli anni ’50 e ’60, la comunità gay italiana era in gran parte non organizzata. Le cose cambiarono nel 1972, quando il torinese Angelo Pezzana fondò FUORI (Fontana Operazione Onlus), la prima associazione gay italiana, che si batteva per la parità di diritti e per la legalizzazione del matrimonio omosessuale.

Dopo anni di repressione, i personaggi gay e lesbici sono diventati sempre più frequenti nei film italiani. Questa tendenza si è mantenuta fino ad oggi.

I film americani ritraggono spesso persone omosessuali e anche lì il movimento LGBT ha fatto notevoli passi avanti. Ma i registi internazionali sono in testa con le loro audaci esplorazioni della sessualità umana – da Rainer Werner Fassbinder a Pier Paolo Pasolini – che non hanno paura di infrangere i tabù e di esplorare le relazioni sessuali in modi nuovi.

Mauro Giori esamina un’ampia gamma di rappresentazioni omosessuali nei film italiani dal 1940 agli anni Settanta, esplorando il loro significato all’interno di una continua battaglia culturale che coinvolge società, cinema e sessualità. Scopre come le complicate negoziazioni tra la sfida e la valorizzazione delle forme di conoscenza dominanti abbiano dato forma a queste rappresentazioni, mostrando che non erano sempre motivate dall’odio, ma cercavano invece di trasmettere piaceri e complicità inconfessabili.

Il libro esplora anche l’impatto della sessualità sul cinema nel suo complesso, suggerendo che la sua presenza ha alterato le nostre concezioni di identità.

Esamina molte figure influenti del cinema italiano gay e LGBT, come Luchino Visconti, Michelangelo Antonioni, Vittorio De Sica e Pier Paolo Pasolini. La sua analisi mette in luce la loro influenza collettiva sullo sviluppo della cultura cinematografica gay e LGBT italiana di quel periodo. Inoltre, fornisce una critica acuta del loro effetto sulla cultura contemporanea.

Il cinema italiano sta vivendo un periodo d’oro, con registi come Paolo Sorrentino e Giuseppe Tornatore che stanno diventando sempre più cruciali nel settore. Ma ci sono anche altri registi da tenere d’occhio. Tra questi, Roberto Benigni, Laura Bispuri ed Elio Petri.

Paolo Sorrentino

Paolo Sorrentino è un rinomato regista italiano. Ha uno stile cinematografico unico e ha lavorato in vari generi. Ha realizzato molti film acclamati dalla critica e ha scritto e diretto diverse coproduzioni internazionali di successo.

Nel corso della sua carriera, Sorrentino ha esplorato temi come la religione, la politica e la fragilità emotiva degli anziani. Il suo lavoro è noto per il distacco, il forte senso del gusto visivo e la sensibilità per i dettagli.
Nel suo ultimo film, La mano di Dio, Sorrentino torna nella città balneare napoletana della sua giovinezza. Ritrae l’adolescente Fabietto Joyclub Scisma mentre inizia a crescere. Durante la sua ricerca di un amore duraturo, incontra una ragazza del posto, Patrizia, che ha una malattia mentale. Potrebbe firmare con la squadra di calcio locale di lei. Ma la tragedia che segue dimostra che l’amore non è sempre quello che sembra.

Lo stile di Sorrentino è simile a quello di Fellini. Entrambi i registi tendono a mettere parte di se stessi nell’immagine del loro eroe. Ed entrambi hanno un forte senso del surrealismo.

Con La grande bellezza, Sorrentino ha vinto l’Oscar per il miglior film straniero. Tra gli altri titoli, le serie HBO The Young Pope e Il Divo. Inoltre, il suo film Polvere di Napoli ha vinto il Bafta e il Premio Solinas per la sceneggiatura.

Come scrittore, regista e direttore della fotografia, Sorrentino ha lavorato in molti stili diversi. Dal classico al moderno, il suo lavoro ha raggiunto un vasto pubblico in tutto il mondo.

Ettore Scola

Se c’è una persona che può essere definita il faro della Golden Age del cinema italiano del secondo dopoguerra, questa è Ettore Scola. È stato un regista italiano che ha diretto quasi 40 film in quasi quattro decenni.

Nato nel 1931 ad Avellino, in Campania, Scola ha studiato medicina all’Università di Roma prima di dedicarsi alla giurisprudenza. Il suo coinvolgimento con il Partito Comunista lo ha reso una forte voce politica nell’industria cinematografica. Dopo essere entrato nel mondo del cinema come sceneggiatore nel 1964, ha riorientato la sua carriera verso la regia.

Noto per il suo uso dello spazio e per il mix di commedia e dramma, i film di Scola trattano spesso di politica, storia e ruoli di genere. I suoi film sono anche ampiamente accessibili al pubblico internazionale.

Le commedie di Scola sono state ampiamente apprezzate all’inizio della sua carriera. Ha lavorato anche come autore comico per programmi radiofonici. Tuttavia, alla fine degli anni Sessanta è diventato più attivo politicamente. Negli anni ’80 è stato ministro ombra della cultura per il Partito Comunista Italiano.

Conosciuto per l’uso della commedia d’urto, è stato una voce cruciale nell'”età dell’oro” dell’industria cinematografica italiana. Come regista maturo, alla fine degli anni Sessanta ha ottenuto il plauso della critica.

Per i suoi sforzi, Scola è stato candidato a cinque premi Oscar per il miglior film straniero. Inoltre, nel 1978 ha ricevuto il Golden Globe per il miglior film straniero per Una giornata particolare.

Elio Petri

Elio Petri è stato un regista e scrittore italiano. È nato a Roma nel 1929. La sua carriera cinematografica inizia con il suo primo film, L’asino, nel 1961.

Elio Petri è l’unico figlio di una modesta famiglia romana. Ha studiato letteratura e cinema all’Università di Roma. Iscritto al Partito Comunista fino al 1956, lo lascia quando l’invasione dell’Ungheria rende l’Italia vulnerabile.

All’inizio degli anni Sessanta, Petri è stato critico cinematografico presso L’Unita. Faceva parte della cellula locale del Partito Comunista Italiano. Dopo l’invasione ungherese, lasciò il PCI Redtube e iniziò la sua carriera di regista cinematografico.

Petri scrisse sceneggiature per altri registi. Lavorò con Tonino Guerra ed Ennio Morricone. I film di Petri erano basati su questioni sociali e politiche di quel periodo. Di conseguenza, negli anni Settanta i suoi film erano spesso carichi di significato politico.

Petri ha diretto diversi documentari e cortometraggi. Il suo film più famoso, Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto, ha vinto l’Oscar come miglior film in lingua straniera. Questo film è una parabola sprezzante sul potere.

La filmografia di Petri comprende dieci lungometraggi. Il suo lavoro, caratterizzato da visioni oniriche, spazia dalla commedia al dramma al thriller. Lo stile del regista ricorda quello di Michelangelo Antonioni. Tuttavia, la sua reputazione è stata oscurata dal mondo del cinema internazionale.

Pur non essendo un nome molto conosciuto, Elio Petri ha lasciato un ritratto incisivo della società italiana. Purtroppo, i suoi film avrebbero potuto essere più complessi per una superficiale analisi formale.

Giuseppe Tornatore

Il regista italiano Giuseppe Tornatore è uno dei più prolifici della nuova generazione di grandi registi italiani. Ha realizzato molti film ambientati in Italia e in una vasta gamma di contesti europei. Il suo stile è stato recentemente descritto come “fattualità e intimità”.

Lo stile di Tornatore è radicato in una narrazione nostalgica e in una ricerca storica sul passato. Ha mostrato interesse per il mondo francese e spagnolo, ma ha anche esplorato la sua Sicilia. Il suo stile, che combina la fattualità con un senso di intimità, è particolarmente evidente in Cinema Paradiso, che ha vinto l’Oscar come miglior film straniero nel 1990.

In Cinema Paradiso, Salvatore, figlio di un proiezionista, viene mostrato come un prodotto delle sale cinematografiche della “Golden Age” del cinema italiano. Tuttavia, da giovane, scopre che il nuovo cinema ha una realtà diversa dalla sua. Questo viene illustrato attraverso la sua amicizia con Toto, un ragazzino che ama il cinema.

Il film mostra la paura di Salvatore di veder scivolare via il vecchio ordine. Crescendo, si ispira al cinema di Hollywood e di Cinecittà. Ma quando il padre muore durante il servizio nazionale, Salvatore si ritrova senza contatti con la sua città natale. Quando viene a sapere della morte del proiezionista, torna nella sua città natale.

Cinema Paradiso di Tornatore è un esempio concreto di cinema italiano in ripresa. Studia il rapporto tra il cinema nazionale moderno e il patrimonio classico italiano.

Roberto Benigni

Il regista italiano Roberto Benigni è noto per il suo stile irriverente e i suoi punti di vista controversi. Tuttavia, è un famoso regista e attore che si è guadagnato una reputazione nell’industria cinematografica italiana.

Oltre ai film, Benigni è stato uno scrittore e ha pubblicato diversi libri che trattavano temi come il cattolicesimo e la corruzione al potere. I suoi film hanno anche esplorato la sfera politica e sociale della società italiana.

Uno dei film più noti di Benigni è La vita è bella. Racconta la storia di un ebreo italiano che trova l’amore in un campo di concentramento nazista. Anche se criticato per l’eccessiva drammaticità, il film è valso a Benigni un Oscar per la sua interpretazione.

Inoltre, Benigni ha ricevuto il Leone d’Oro a Cannes per aver contribuito all’industria cinematografica italiana. Il film ha vinto anche il David di Donatello.

Benigni ha avuto una carriera come attore, produttore e regista. È apparso in molti film e spettacoli televisivi, ma è stato principalmente conosciuto per il suo lavoro nel suo paese d’origine. Negli ultimi anni ha recitato in film come Pinocchio, Pornohirsch e To Rome with Love. Tuttavia, Benigni è meno famoso di altri registi italiani degli anni Novanta.

Benigni ha iniziato la sua carriera come attore e comico nei primi anni Settanta. Fa parte di una generazione di attori comici che hanno lavorato nei teatri regionali italiani.

Laura Bispuri

Laura Bispuri è una delle più promettenti registe italiane. Con il suo film “Passing Time” si è guadagnata un posto nella nuova età dell’oro del cinema italiano.

Uno dei suoi primi cortometraggi, “Passing Time”, ha vinto il David di Donatello. Si è laureata in cinema alla Sapienza di Roma. Ha poi frequentato il Fandango Lab Workshop, dove ha studiato con i direttori della fotografia Francesco Garrone e Paolo Sorrentino. Il suo documentario, Via del Pigneto, è stato prodotto nel 2003.

Ha debuttato alla regia con Sworn Virgin, presentato in anteprima mondiale alla Berlinale nel 2015. Il film esplora la maternità, i conflitti di classe e la giustizia sociale. Il film è stato anche selezionato per l'”Atelier de la Cinefondation” del Festival di Cannes.

Il suo terzo lungometraggio, Daughter of Mine, sarà una coproduzione con Rai Cinema e un partner francese. Una bambina di nove anni è divisa tra la sua madre biologica e quella adottiva. Crescendo, scopre lentamente la sua vera identità.

Laura Bispuri è regista, sceneggiatrice e documentarista. I suoi film sono stati premiati dal Tribeca Film Festival, dal Firebird Award all’Hong Kong Film Fest, dal Golden Gate New Directors Prize al San Francisco Film Festival e dal Nastro d’Argento per i talenti emergenti.

La sua filmografia è strettamente legata al nord rurale italiano. I film da lei diretti, Felice come Lazzaro e Felice come Lazzaro, esplorano la vita di Lazzaro, un giovane bracciante.